Dominique Laulanné : « Un lieu de culture doit créer du sens »

Après avoir co-orchestré l’audacieux théâtre Le Maillon, à Strasbourg, de 1997 à 2001, puis dirigé la Compagnie DCA du chorégraphe Philippe Decouflé, Dominique Laulanné poursuit son odyssée indisciplinée aux commandes de la Maison de la musique de Nanterre. Au cœur de cet ancien bastion communiste passé aux mains de la Fédération pour une alternative sociale et écologique (Fase) en 2010, il se positionne en militant de la culture. Depuis 2008, dans ce lieu culturel conventionné et financé par la ville principalement, il œuvre au rapprochement des genres et des gens. Un peu à la manière de Jean Vilar en son temps, Dominique Laulanné va à la rencontre des publics et à l’encontre des préjugés. Avec une programmation très diversifiée – des burlesques Tiger Lillies à l’ensemble contemporain TM+ en passant par la pianiste Vanessa Wagner, le rappeur Kery James ou le danseur Cédric Andrieux –, dans et hors les murs, la Maison de la musique revisite les missions et les responsabilités d’un lieu culturel sur son territoire.

Comment pensez-vous votre programmation ?

Dominique Laulanné : Ma formation est réellement pluridisciplinaire. J’ai essayé d’apporter à la musique ma connaissance des autres arts, ma familiarité avec le théâtre, la scène, les danseurs… Je cherche beaucoup les croisements, ma conception de l’art est très ouverte. Bien sûr, j’ai des techniques pour programmer, essayer de réveiller l’intérêt et de faire que la Maison de la musique ne soit pas un garage à spectacles. Par exemple, je thématise et je crée des escales. Si j’ai envie de programmer du blues, je ne me contente pas de prévoir un concert. Je propose tout un travail sur le blues d’Afrique et le blues d’Amérique, en invitant des bluesmen des deux continents. Même si c’est modeste, on raconte autre chose qu’une simple consommation. Le programme « Algérie, je t’aime », en 2012-2013, retraçait une histoire de l’Algérie post-coloniale en combinant du raï, du chaabi, des soirées scopitones dans des cafés, un concert dans un foyer de travailleurs, dans un centre social… Bref, on déploie les événements. Les titres des programmes aussi sont importants. J’essaie d’avoir une communication qui raconte des choses sans être intellectuelle.

La brochure 2014-2015 de la Maison de la musique a dû en déconcerter plus d’un…

Elle interroge, en effet. À commencer par la couverture avec cette photo de banquise non esthétisante et cette signalétique d’incendie dans les lieux publics. C’est un écho à une escale en trois étapes que j’ai appelée Voyage d’hiver, avec le Voyage de l’écoute de TM+, le programme Schubert de Vanessa Wagner avec le chanteur Yanowski et le spectacle Chant d’hiver de Samuel Sighicelli. Cette création théâtrale et musicale dresse un parallèle entre l’errance romantique, le Winterreise de Schubert, et la recherche scientifique qui met en relief les traumatismes écologiques que l’industrialisation fait subir à la nature. Je conçois la brochure comme une invitation sensorielle. Très peu de texte, ce qui oblige à dire l’essentiel tout en gardant un ton. Il faut que ça donne envie, mais c’est avant tout une balade. Il n’y a pas de planning. J’ai également prévu des pages vides ou sans texte : on respire, on fait une pause. J’ai beaucoup travaillé avec les couleurs primaires. La brochure est là pour éveiller le désir. Le public est tellement formaté pour consommer…

Vous n’avez pas peur de perdre une partie de votre public ?

On essaie d’aller chercher les gens là où ils sont, dans leur quartier, leurs lieux de vie, y compris les plus marginaux, comme les centres de soins hospitaliers avec le projet Piano Cash, tout en proposant une programmation exigeante. C’est un équilibre difficile à tenir, bien sûr, et nos moyens sont limités face au rouleau compresseur de l’information et de la communication. Notre but est de faire venir des gens culturellement ou socialement exclus à la Maison de la musique. Le grand public ne connaît pas William Forsythe. Le grand public ne connaît pas John Cage. De Mozart, on connaît deux ou trois airs entendus au supermarché. La lutte est rude face à la marchandisation quasi généralisée des contenus. On a aussi organisé des concerts de palier avec l’office HLM. On invitait les gens à ouvrir leur porte. On a fait jouer de la musique classique et de la musique contemporaine devant ce qu’on appelle dans le jargon les « non-publics ». Devant des gens qui tout d’un coup vont écouter non pas Prokovief ou Mozart, mais une personne qui joue de la musique. Ce sont parfois des rencontres incroyables. Un jour, une femme est venue voir le musicien après le concert pour lui dire : «   Votre musique, pour moi, c’est la musique de l’amour. » Des gens de mon équipe m’ont dit : « Mais de quel droit te permets-tu d’aller faire écouter de la musique classique là-bas ?   » Je n’impose rien. J’invite les gens à venir découvrir. Je peux aussi leur faire découvrir un joueur de oud.

Jusqu’à faire venir le rappeur Kery James en décembre dernier…

Absolument. Mais ce qui m’intéresse c’est le bonhomme qu’il y a derrière la star. C’est une histoire qu’on raconte avec lui. Avant le concert on avait organisé une rencontre avec des jeunes du quartier, et avec un autre rappeur, un Américain très engagé politiquement, Boots Riley. Ce fut un échange particulièrement riche. À la suite de cela, Kery James nous a parlé de son projet de financement d’études pour des jeunes sélectionnés dans chaque ville de sa prochaine tournée, dont Nanterre. J’aime bien l’idée du storytelling. Un lieu culturel, un théâtre, est là pour raconter quelque chose et créer du sens : lieu de plaisir, lieu de conscience. Un lieu de culture doit être un point nodal entre l’art et l’action politique, sociale, civique.